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4、清新空气——克里斯汀·拉克鲁瓦
在法国的时装界流行一个传说：每二十年就有一颗新星诞生。这个传说从保罗·波烈开始，分别在夏奈尔、巴伦夏加、圣洛朗那里得到验证。1987年，克里斯汀·拉克鲁瓦（Christian Lacroix）出现，这应该是离我们最近的一颗新星。
克里斯汀·拉克鲁瓦出生于法国阿列斯一个工程师家庭。那是1950年代，正值女权运动风起云涌之际，妇女解放的呼声最终在衣服上有了具体的体现。拉克鲁瓦的儿童时期就是在这样的背景下度过的，不仅如此，他的祖母还收藏了大量19世纪以来的时装杂志，这使他在耳濡目染当下潮流的同时，有机会接触到经典的古典时装。
中学毕业后，拉克鲁瓦进入蒙塔佩利尔大学攻读古希腊、拉丁文学和文艺史。1971，奔赴巴黎卢浮宫学校学习艺术史，希望有机会在美术馆或博物馆做一个讲解员。然而，一个叫佛朗索瓦的女孩改变了他的命运，并最终将他拉回到时装的道路上来——因为这个女孩本人就是个时装设计师。
拉克鲁瓦成名之前的脚步甚至涉及日本——他曾为日本皇宫设计过服装。1981年前回到欧洲，为相当传统的老字号时装公司帕托设计服装，并以绚丽的色彩、灿烂的配饰、和冲气垫圈式的裙子，引起时装界的关注。1987年，得到专门出品豪华用品的LVMH公司的支持，开设了自己的时装店。
拉克鲁瓦对时装界的涉足可谓恰逢其时，自从1961年伊夫·圣·洛朗在巴黎开设了他的时装公司以来，高级时装的大门还没向什么人敞开过。拉克鲁瓦的第一场时装表演便引起了圣·洛朗那样的轰动，一举成为法国最受欢迎的设计师之一。
尽管拉克鲁瓦27岁才开始他的时装事业，但他在西方时装界的地位已举足轻重。他的作品经常轰动巴黎，并令同时代的大师所叹服。他的一年两度的时装展常以活报剧的形式出现，被同行们誉为“清新的空气”。1986年的巴黎时装大赛上，拉克鲁瓦以带有醒目圈点花纹克里诺林裙和色彩鲜艳的印花布裙，淋漓尽致地展现了精湛的裁剪技艺和工艺水平，力挫群雄，一举夺魁。
1994/1995年秋冬，拉克鲁瓦在巴黎发布的时装体现了来自朋克的影响。所有的内衣的胸前都印有大大的头像，其中一件上衣绣有精致的刺绣，裤子的腰部则以大量的扣子装饰。另有一件金色的夹克，体现了拉克鲁瓦的华丽情结。
1999/2000年春夏发布的作品，则有了极大的变化，呈现出极其前卫的状态。每件衣服都做了不同寻常的结构处理，色彩也十分地火热和跳跃。其中一件上衣在前胸口开了两个不规则的洞，并在边缘做了印花处理，下装是一条过膝的裙子，下摆饰有一条宽宽的银边。在这组时装中我们看到，拉克鲁瓦舍弃了一贯的豪华风格，并试图在美学的范畴内，粉碎传统的束缚。
在西方的时装设计史上，很少有人像拉克鲁瓦那样博采众长，广为借鉴。他的设计常从博物馆、戏剧、杂货摊以及斗牛士那里吸取灵感，所以总带有强烈的怀旧意味。其服装图案复杂、华丽，色彩绚丽、典雅。他还将把传统法国时装的种种因素如抽纱、刺绣、补绣、花边、饰件、首饰等，运用到现代主义的创作中去，从而创作出令人惊讶的新古典主义作品来。
1980年代中期，正是法国高级时装渐渐式微的阶段，拉克鲁瓦的出现可谓喜从天降，为已入垂暮的法国时带来起死回生的“清新的空气”。
5、天才约翰·加里亚诺
1980年代的中期，尽管英国几乎的所有设计师、时装集团都在忙着与传统时装的垄断地苦战，以期捍卫英国时装的创造性，但还是有越来越多的设计师放弃了伦敦时装周，宁愿远道去巴黎或米兰，展出他们的新作品。1990年代初期，伦敦的时装展终于陷入了历史上的最低谷。
然而忽然之间，仿佛一切都苏醒了过来：帽子设计师菲利普·特雷西（Philip Treacy）推出了他的头上雕塑；手袋设计师鲁卢·吉尼斯（Lulu Guinness）的新品开始供不应求；帕特里克·科克斯（Patrck Cox）的平底鞋与著名的古奇（GUCCI）平分秋色；就连拘谨的小方格图案大衣呢也忽然变的个性十足，在1999年的春夏时装展上受到热烈的追捧。
人们将这一切归功于一批新锐的设计师，他们全部毕业于圣马丁艺术学院，并且在巴黎最出名的三家时装公司和纽约的一家针黹羊毛服装店都做得非常成功。这其中，便包括了约翰·加里亚诺。
1961年出生于直布罗陀的约翰·加里亚诺（John Galliano），父母都是西班牙人，6岁时迁居到伦敦南部。1984年从圣马丁艺术学院毕业时，他的毕业设计既在发布会上引起轰动，并被著名的布朗斯时装店全部收购。从那一天起，加里亚诺便成为时尚界和媒体的宠儿，被不断地关注着。
很快，他找到了愿意为他投资的人，并在两个星期后推出以John Galliano命名的品牌。1987年，加里亚诺赢得了全英设计师大奖，第二年又获得巴伦夏加奖。他的品牌和规模也都迅速地成长，并推出二线产品如Galliano’s Girl和Galliano Genes等。
加里亚诺的聪明之处在于，当许多设计师在街头找灵感的时候，他却一头扎进了故纸堆。他不仅研究了20世纪30年代时装大师维奥尼的斜裁技术，对巴伦夏加等人也进行了深入的探究。他以超凡的敏锐，将古典素材融进当今的技术和材料之中，并运用复杂的裁剪技术，创造出不俗的视觉效果。作为一个令人振奋的设计师，加里亚诺善于运用不同来源的素材组成全新风貌，并在过去和现在之间找到平衡点。他的作品有时令人无法理解，有时又常被其他设计师借用。
尽管在T台上风光无限，但这位天才的设计师常常入不敷出。1991年，由于财务上濒临崩溃，加里亚诺不得不停止了创作——这种情况他遇到不止一次了，这次同样有救星降临。先是他忠实的朋友凯特·莫斯（Kate Moss）无偿为他做模特，又有巴黎时装设计师费克尔·阿莫（Faycal Amor）帮他制作1992至1995年间的所有时装系列。更重要的是，1995年到1996年间，他先后被纪梵希和迪奥公司聘为创作主任。
加里亚诺的创作热情一发不可收拾。1994年春夏，在巴黎推出的时装系列中，有一款黑色连衣裙备受注目，简洁的线条变化、衣服上的挖洞和透明处理，体现了一个设计师对于时装结构的独到领悟；1997/1998年秋冬为迪奥推出的时装展示中，一款以人造毛皮为主要面料的晚礼服令人惊叹，那种华丽的“多层风貌”映照朴素的原始意味，既应和了当时人们对环境的关注，也显示了高超的裁剪手法；2000年春夏，在巴黎推出了一组斜裁系列，对时装的构造进行了令人耳目一新的改造；同年秋冬，展示了来自朋克的时装，他将模特的脸画成猫的样子，然后让他们穿上斜裁风格的服装，再在外面罩上半袖的大衣。
约翰·加里亚诺最著名的设计是他为迪奥公司设计的一袭晚礼服：瀑布型的颈线，大量的裥褶，波浪型的花边裙裾，非常夸张，非常合身。尽管被伊夫·圣·洛朗嘲笑为“太像马戏团了”，但其裁剪上出人意料的高雅，却是公认的。
作为一名设计师，加里亚诺的运气真是够好的了，无论是奥斯卡的红地毯上，坎城影展的颁奖台上，或是威尼斯双年展上，我们都可以看到他的作品。不仅如此，他的香水和配饰也销得很好。
6、活力之源Michiko Koshino
20世纪80年代才开始涉足时装界的Michiko Koshino，在很大程度上弥合了运动服和俱乐部服之间的距离。这位出生于日本的女设计师善于用西方式的简捷方法来设计时装，尤其是运动服。可以这么说，当时的伦敦需要的就是Michiko Koshino风格的俱乐部制服，由于她设计的标志带有极强的冲击力，使得这些运动本身也变得受欢迎起来。
Michiko Koshino设计的防雨夹克在当时十分流行，这种被称为“古斯”（Goose）夹克时装，采用细密的绗缝，不仅具有很好的功能性，还显得十分有趣。1990年代，她的设计能力在这种机智诙谐的基础上走的更远，她将伦敦多如牛毛的俱乐部特性糅合进自己的作品中，并因此而获得广泛的知名度。
尽管Michiko Koshino十分信奉伦敦文化，但她的设计并没有被此限制住，她的非常英式的品牌帕卡·克拉巴（Pukka Clobba）总是充满了呼啸感，或许正因为如此，这个品牌的销售并不尽如人意。她的每个时装系列都有骇人的饰物作为补充：从威尼斯的金耳环，到特别的滑雪帽，甚至伞、包、毛巾等。
Michiko Koshino的异想天开使她有胆量用那些前卫的时装去补充顾客们的衣柜。她将伦敦的旗舰店布置得像俱乐部D。J的桌子一样，并展示了大量受摩托车手启发而设计的时装。她还喜欢在T恤上印上自己的名字，这些色彩艳丽的套装竟很受旅行者的欢迎。
在1993年春夏伦敦时装展上，Michiko Koshino发布的一组随意性感的女装极受注目。那是一些黑色纱质的T恤，其中一件上面还有几道故意的破损。这些时装化的T恤，依然保持了运动的意味。
1993/1994年秋冬，Michiko Koshino在伦敦又发布了类似“破烂装”的作品，其中一件短背心使用棉质的面料，肩部留有毛边，袖子好像被忘掉了一样；而另一套时装则运用了俱乐部服的符号元素，西装式的长背心，臂部的徽章图案显示出设计师对这些元素的熟练运用。
Michiko Koshino的最大才能，在于她能够快速适应时尚变化，设计出性感十足的运动服饰。此外，她的市场营销手段也十分灵活，其时装表演常在俱乐部举行，或者给类似沙宣这样的公司提供促销时装。由于她的作品充满活力和具有都市文化符号，所以她的产品在都市青年中有着很好的销量。
7、西尔瑞·马格勒
1948年生于法国的西尔瑞·马格勒（Thierry Mugler），1974年开始他的设计生涯。这位差点做了芭蕾舞演员的设计师，致力于将那些可笑的、色情的、不确定的元素搜罗到自己的作品中来。他的设计从粗俗的装饰到极简的风格，应有尽有。
西尔瑞·马格勒的设计取材非常广泛，好莱坞电影、科幻小说、性拜物教、历史事件、各个历史时期的艺术，甚至1950年的底特律汽车，都可以成为他的设计元素。他的目的很明确：就是要通过衣服使女人看上去像女神，或是像女侠，或至少像个穿工作装的成功女性。所以，他的时装常常将腰部勒得很细，裙摆则十分宽大。而对于胸和臀，马格勒自有他一套不同凡响的办法。1995年，他推出的一套黑色直身晚礼服可谓出尽了风头，原因就是他在这条正经的裙子后面开了个不大不小的洞，而这个洞刚好露出了模特的半个屁股！
他的另一款套装也令人大开眼界。这套黑色的裙装，上衣短到刚刚盖过乳线——也就是说基本上有半个乳房露在外面，裙子则在腹股沟出“断”成两截，赫然的裂缝中，连内裤也隐约可见。有趣的是与服装配套的大帽子，将模特的脸整个地遮起来，令人想起那些表面正经，内里却十分风骚的女子。
这或许正是马格勒追求的境界，他的女装总是十分夸张、轻佻、极富女人味，但同时又棱角分明，保持一种刻意的典雅与高贵。他并不在乎一般女性的感受，至于那些影视歌星们，她们对他那些颇具戏剧化效果的服装实在是太喜爱了。在他的时装发布会上，走在伸展台上的往往不仅仅是模特，还有他的那些明星朋友们，诸如杰瑞·霍尔（Jerry Hall）、劳伦·修顿（Lauren Hutton）、戴安娜·罗斯（Diana Ross）、伊万娜·川普（Ivana Trump）、提皮·赫德伦（Tiippi Hedren），以及沙朗·史东（Sharon Stone）等，这使得他的时装表演常常出人意料地精彩。
当然，更多的时候还是要看模特们的表现，在这方面，马格勒从不松懈。每场表演前，他不仅要查看模特们的服装、配饰，还要亲自为她们设计发型和化妆，甚至场地的灯光和音响也要亲自过问。所以，他的时装秀至少和他的时装一样著名，其热烈的程度有时不亚于摇滚音乐会，以至于有时不得不在巨大的体育场进行。
马格勒反流行的时装特征很难用语言来形容，不过有一点却是很明确的，那就是许多年来他一直保持着反叛者的形象，无论通俗还是高雅，粗野或精致，他的设计都十分关注人体的感受，有着潜在的美感，并体现出精妙的比例关系。
8、继续摇滚——安娜·苏
祖籍中国的安娜·苏（ANNA SUI），1955年出生于底特律的华裔中产家庭，父亲是位工程师。这个酷爱花衣服的女人从小就喜欢帮自己的洋娃娃和哥哥的玩具兵穿着打扮，有时还玩奥斯卡颁奖游戏。她把流行杂志上的图片剪下来，排列在一本她现在称作「Genius Files」的本子里。
安娜·苏高中毕业后转入纽约帕森设计学院。此时，风靡全球的摇滚风潮刚刚过去，它的尾声部分却开始对时装业产影响，安娜·苏正是在这个时候进入时装行业。那是1970 年代的初期，她从帕森学院毕业后，开始在一家为年轻人制作运动装的公司工作，后来进入格兰诺拉，这是一家非常时髦的公司，在这里她将兴趣放在设计与历史的融合上，设计出既有时尚色彩，又混合了古典元素的新造型。
1980 年，安娜·苏在一场精品展中发表了六件个人的设计作品，立刻收到梅西百货公司（Macys）的订单，其中一件作品被刊登在纽约时报的广告上。她的时装受朋克影响非常深，所以常将自己的一些设计卖给摇滚商店，同时还兼任米舍尔的摄影风格师。
1987年，安娜·苏决定成为真正的时装摄影师。她来到了安妮特·B的展示屋，并得到安妮特·布莱恩德尔的帮助，安娜·苏回忆说：“安妮特给了巨大的帮助，她帮我建立了我自己的服装企业。”
安娜·苏将自己的业务从公寓般到了纽约服装区的一个阁楼工作间，并于1991年在纽约时装周上发表了第一个服装展示。她的那些超级名模朋友们——纳奥米·坎贝尔、琳达·埃文格里斯塔和克里斯蒂·特琳顿，免费为她作了表演。她的设计从头到尾都展现出独特的“安娜·苏”理念，被《纽约时报》誉为高级时装与嬉皮的混和体。此外，由于受让·保罗·戈尔捷和西尔瑞·马格勒的影响，她的设计中还融入了大量音乐和戏剧的成分。
1992 年 ，安娜·苏在纽约的苏活区格林街 113 号开设了她个人的店面。店里展现了她对于室内装潢的灵感，墙壁漆满了紫色与红色等强烈的色彩，诡异的人体模型以及跳蚤市场的家具陈列，都充分展现出她对于装饰的狂热。
值得一提的，是她于1993年春夏在纽约时装周上发表的一款朋克式时装：大红格子外套，黑色内衣，红格子的长裤，长裤的前面烫缝装饰着长串的黑色纽扣，黑色的腰带上还有鲜艳的红黄星形装饰。还有一款波西米亚式的纱裙，由透明的纱和紫色的缎料组成，大面积的裸露中尚存一丝隐秘与羞涩，是一件难得的浪漫色情之作。
1995 年，安娜·苏发表了新的ANNA SUI 系列，将 ANNA 招牌的时髦作风加以入木三分的栓释，成为相当经典的设计系列。接着她又将其品牌版图延伸到亚洲，陆续在东京及大阪成立专门店，在日本引发ANNA SUI热，成为日本女性的抢手商品之一。此外，她还在1997 年发表了鞋款的设计，1999 年推出ANNA SUI香水与化妆品。
即便是私人的住宅，安娜·苏也设计的非同寻常。在座落于曼哈顿雀儿喜区（Chelsea）的住所中，她以印地安红墙和地板装饰空间，摆设着重新刷新的古董和跟人一样大的假人模特儿，氛围神秘而诡异，和她的服装很有些神似。
在深受极简主义影响的1990年代，安娜·苏的华丽和繁复既是一种颠覆，也是一种调解，她让我们感受到女性永恒的体温，和来自血液的自由精神。
2000年秋冬，她的时装系列依然维持着这样的基调，从毛料、多重纱质、丝质到毛皮，无一不被赋予花花草草、珠串锦织乃至民俗的华巧，累叠出层次丰富的美感；荷叶边飘逸的轻纱衬衫配搭流苏及膝裙、宽腰带、高统靴、彩色裤袜；毛边短皮衣配搭雪纺上衣、粗织民俗风七分裙、拼贴样式的皮靴、藏青丝巾。作为女人，安娜·苏有充分的理由站在女人的立场诉说着她们的善变与奔放。
当然，令人低回不已的还有她拿手的配饰：从游牧风格转变而来的头巾、宽边帽、大颗珠粒的首饰及耳环、旖妮的丝巾和丝袜。
第十二章 裘皮的意味
1、人类的第一件衣服
当人类还属于有毛动物的时候——当然，这样说并不等于现在的人已经没毛了——他们似乎并不需要另外的衣服。这一点不需要任何考证，看看现存的动物就知道了，比如老虎、狮子、水貂、羚羊什么的，但据说它们的数量正在急剧下降，有的已濒临灭绝的境地，原因之一就是人类忽然又渴望起毛皮来——那曾经是人类最早的衣服。
人类的第一件衣服，在亚当和夏娃的伊甸园中被描述成树叶的连缀物，它们仅用于遮羞，并不起到挡风遮雨、保暖御寒的作用；而在考古学中人们更倾向服装起源于兽皮说，因为一些出土于旧石器时代的骨针说明，那时的人们已经开始缝纫了。
所谓“旧石器时代”从历史学上划分，大约从二三百万年前开始，到1万年前为止。对于今天的人们来说，这样的时间概念恐怕只有数字上的意义。所以一件衣服无论是存在于一万年前，还是一百万年前，在今天来看并无太大差别，除非它们在材质上有着本质的不同。一个比较有名的例子是发现于前苏联冰冻岩层里的一个男孩尸体，据考证大约已经有10万多年了，男孩身上的覆盖物经过仔细辨认，被证实是加工过�